Nota final( correspondiente a las clases con Esteban y Gustavo) . Es el resultado del promedio de los tres trabajos grupales , del parcial y nota conceptual. Aemás de referente
Aguirre, Carlos 7
Andujar, Mauricio 7.50
Arevalo, Gabriela 7
Aguasol, Carla 10
Alvarez, Yesica 7
Benitez, Viviana 7.50
Bernachea,Gisella 7
Chavez, Hernán 7.5
Campos, Judith 6
Diaz, Raquel 7.5
Fonteina, Miriam 7.50
Garcia, Luciana 10
Gomez, Adriana 7.50
Gonzalez, Rocío 7
Gadea, Fernanda 7.50
Guerrero, Melina 10
Linares, Sandra 7.50
Lezcano, Silvia 6
Maldonado, Romina 7.50
Miraglia, Mariel 6
Ninni, Yanina 7.50
Noguera, Romina 10
Orosco, Ana 7
Pérez, Gloria 7.50
Suarez, Ríos, Alfredo 7.50
Saludos, Gustavo
viernes, 20 de noviembre de 2009
martes, 10 de noviembre de 2009
Transposición-Los Puentes de Mádison
Los puentes de Madison
Esccena vista en clase 9/11
http://www.youtube.com/watch?v=NVW9pPzIfrg
Los puentes de Madison
De Wikipedia, la enciclopedia libre
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The Bridges of Madison County
Título
Los puentes de Madison
Ficha técnica
Dirección
Clint Eastwood
Producción
Clint EastwoodKathleen Kennedy
Guión
Robert James WallerRichard LaGravenese
Música
Lennie Niehaus
Fotografía
Jack N. Green
Reparto
Meryl StreepClint EastwoodAnnie CorleyVictor SlezakJim Haynie
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
1995
Género
Melodrama
Duración
134 minutos
Ficha en FilmAffinity
Los puentes de Madison (título original: The Bridges of Madison County) es una película estadounidense basada en la novela homónima de Robert James Waller. Fue realizada por Amblin Entertainment, Malpaso Productions y Warner Bros. Producida y dirigida por Clint Eastwood con Kathleen Kennedy como coproductora, con guión escrito y adaptado de Richard LaGravenese. Meryl Streep fue nominada a un Premio Oscar por su interpretación.
Trama
Puente cubierto en el condado de Madison, Iowa
La película se sitúa en 1965. Relata la historia de Francesca (Meryl Streep), una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera, en la feria del Estado de Illinois, conoce y se enamora de un fotógrafo, (Clint Eastwood), que ha llegado al condado de Madison (Iowa) para realizar una serie fotográfica sobre los puentes cubiertos de la zona para National Geographic. Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos descubren después de su muerte.
Sinopsis
Mientras se dirige hacia una granja desconocida para preguntar una dirección, Robert Kincaid no sospecha que al final del camino lo espera una experiencia única, que marcará su vida para siempre. Acostumbrado a la vida sin un rumbo en especifico de fotógrafo profesional, Robert, a sus cincuenta y dos años, es un hombre que sólo es feliz viajando por los lugares más exóticos del planeta. Esta vez, sin embargo, su trabajo lo lleva a Madison County, un tranquilo y apartado rincón de Iowa donde Francesca, dueña de una granja, vive una plácida madurez, añorando una Italia que dejó hace años para casarse con un soldado americano. La fuerte atracción que surge entre Robert y Francesca despierta en ellos ese tipo de emociones que se creen olvidadas, pero que habitan en cada uno de nosotros.
Esccena vista en clase 9/11
http://www.youtube.com/watch?v=NVW9pPzIfrg
Los puentes de Madison
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The Bridges of Madison County
Título
Los puentes de Madison
Ficha técnica
Dirección
Clint Eastwood
Producción
Clint EastwoodKathleen Kennedy
Guión
Robert James WallerRichard LaGravenese
Música
Lennie Niehaus
Fotografía
Jack N. Green
Reparto
Meryl StreepClint EastwoodAnnie CorleyVictor SlezakJim Haynie
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
1995
Género
Melodrama
Duración
134 minutos
Ficha en FilmAffinity
Los puentes de Madison (título original: The Bridges of Madison County) es una película estadounidense basada en la novela homónima de Robert James Waller. Fue realizada por Amblin Entertainment, Malpaso Productions y Warner Bros. Producida y dirigida por Clint Eastwood con Kathleen Kennedy como coproductora, con guión escrito y adaptado de Richard LaGravenese. Meryl Streep fue nominada a un Premio Oscar por su interpretación.
Trama
Puente cubierto en el condado de Madison, Iowa
La película se sitúa en 1965. Relata la historia de Francesca (Meryl Streep), una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera, en la feria del Estado de Illinois, conoce y se enamora de un fotógrafo, (Clint Eastwood), que ha llegado al condado de Madison (Iowa) para realizar una serie fotográfica sobre los puentes cubiertos de la zona para National Geographic. Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos descubren después de su muerte.
Sinopsis
Mientras se dirige hacia una granja desconocida para preguntar una dirección, Robert Kincaid no sospecha que al final del camino lo espera una experiencia única, que marcará su vida para siempre. Acostumbrado a la vida sin un rumbo en especifico de fotógrafo profesional, Robert, a sus cincuenta y dos años, es un hombre que sólo es feliz viajando por los lugares más exóticos del planeta. Esta vez, sin embargo, su trabajo lo lleva a Madison County, un tranquilo y apartado rincón de Iowa donde Francesca, dueña de una granja, vive una plácida madurez, añorando una Italia que dejó hace años para casarse con un soldado americano. La fuerte atracción que surge entre Robert y Francesca despierta en ellos ese tipo de emociones que se creen olvidadas, pero que habitan en cada uno de nosotros.
viernes, 6 de noviembre de 2009
Consigna Storyboard(guión técnico)
Actividad para el Lunes:Storyboarding o "Haciendo el guìòn tècnico"
Por el momento les enviamos algunos ejemplos de lo que es un "storyboard" o "guión técnico".
StoryBoard:
El storyboard es el "borrador" que los cineastas hacen antes de filmar la película. Una vez que tienen el argumento, las escenas etc, los directores plantean que planos, ángulos de cámara, movimientos de cámara van a realizar para filmar ese texto.
Si bien sabemos que todavía no hemos visto este tema, nosotros les proponemos que que "juegen" a ser directores de cine, sin miedo a equivocarse, y que planteen, con lo que ustedes saben( en mayor o menor medida todos sabemos ya que hemos visto películas) què imágenes contarían mejor sus relatos de suspenso o románticos.
No hace falta que sean "expertos" en planos o dibujando. Tan sólo se trata de que intenten recordar esas películas que ya han visto( en especial esas de los géneros que estamos trabajando) cómo esas imágenes nos contaban la historia. Que planos o movimientos, qué iluminación ( en cuanto a lo visual) o bien ,qué música, si había una voz en off o no acompañaba a esas imagenes para crear el "climax" que esa historia requería.
De eso se trata, de que empiezen a pensar sobre cómo le contarían a sus espectadores con imágenes, musica, voz, actuación esa historia que vienen trabajando desde la primer clase. Ustedes están ahora en la etapa de transposición de esos textos literarios en un guíon de cine.
Nos gustaría que vean como desde la primer clase Uds están creando un bosquejo de lo que, por que no, podria ser un film, su propio film.
Miren el ejemplo de "plantilla de storyboard" que les enviamos. Creemos que puede ser útil para el trabajo. También les enviamos un ejemplo de storyboard( aunque le falta texto abajo de los dibujos)
Consigna
Trabajo Práctico
Título: Story Board
Carácter: Grupal
Descripción: Realizar un Story Board en base a un la escena de género suspenso y/o romántico que ustedes prepararon para la tercera clase.
¿Cómo Hacerlo?
Como verán el modelo enviado, deben dibujar los cuadros en cuyo interior dibujarán las imágenes. No hace falta que dibujen muchas imágenes. Tan sólo le pedimos que nos den una idea general sobre como filmarían esa escena que presentaron en la tercera clase.
A cada cuadro le corresponde un plano; pueden usarse más cuadros para un plano cuando hay, por ejemplo, un movimiento de cámara por ej en cuyo caso deberá quedar claro que se trata del mismo plano
La información puede complementarse con indicaciones escritas de aquello que le resulte imposible lograr con su dibujo (altura de cámara movimiento de cámara). El tamaño de los cuadros deberá ser idéntico a lo largo del relato..
Texto escrito:
Debajo de cada viñeta de plano, se indica brevemente la acción, si se quiere el sonido, música( musica que le pondrían). Podrían poner qué tamaño de plano(general, medio, primer plano, primerísimo primer plano(cuando se enfoca la cara muy de cerca) Los que hayan puesto diálogo pueden poner los diálogos que se correspondan con ese plano, con esa imagen.
.
Consideraciones: No se trata de un ejercicio de dibujo sino, como ya fue aclarado, de una narración. Por ello es necesario aclarar que no deben amedrentarse aquellos que no se consideren buenos dibujantes.
Un ejemplo para ver lo que es un Storyboard
Adaptación del Don Quijote al cine( Story Board)
"La aventura de los molinos"
http://www.youtube.com/watch?v=hZger1YivjU
Don Quijote, armado caballero
http://www.youtube.com/watch?v=-tf6TEJMU-w
Por el momento les enviamos algunos ejemplos de lo que es un "storyboard" o "guión técnico".
StoryBoard:
El storyboard es el "borrador" que los cineastas hacen antes de filmar la película. Una vez que tienen el argumento, las escenas etc, los directores plantean que planos, ángulos de cámara, movimientos de cámara van a realizar para filmar ese texto.
Si bien sabemos que todavía no hemos visto este tema, nosotros les proponemos que que "juegen" a ser directores de cine, sin miedo a equivocarse, y que planteen, con lo que ustedes saben( en mayor o menor medida todos sabemos ya que hemos visto películas) què imágenes contarían mejor sus relatos de suspenso o románticos.
No hace falta que sean "expertos" en planos o dibujando. Tan sólo se trata de que intenten recordar esas películas que ya han visto( en especial esas de los géneros que estamos trabajando) cómo esas imágenes nos contaban la historia. Que planos o movimientos, qué iluminación ( en cuanto a lo visual) o bien ,qué música, si había una voz en off o no acompañaba a esas imagenes para crear el "climax" que esa historia requería.
De eso se trata, de que empiezen a pensar sobre cómo le contarían a sus espectadores con imágenes, musica, voz, actuación esa historia que vienen trabajando desde la primer clase. Ustedes están ahora en la etapa de transposición de esos textos literarios en un guíon de cine.
Nos gustaría que vean como desde la primer clase Uds están creando un bosquejo de lo que, por que no, podria ser un film, su propio film.
Miren el ejemplo de "plantilla de storyboard" que les enviamos. Creemos que puede ser útil para el trabajo. También les enviamos un ejemplo de storyboard( aunque le falta texto abajo de los dibujos)
Consigna
Trabajo Práctico
Título: Story Board
Carácter: Grupal
Descripción: Realizar un Story Board en base a un la escena de género suspenso y/o romántico que ustedes prepararon para la tercera clase.
¿Cómo Hacerlo?
Como verán el modelo enviado, deben dibujar los cuadros en cuyo interior dibujarán las imágenes. No hace falta que dibujen muchas imágenes. Tan sólo le pedimos que nos den una idea general sobre como filmarían esa escena que presentaron en la tercera clase.
A cada cuadro le corresponde un plano; pueden usarse más cuadros para un plano cuando hay, por ejemplo, un movimiento de cámara por ej en cuyo caso deberá quedar claro que se trata del mismo plano
La información puede complementarse con indicaciones escritas de aquello que le resulte imposible lograr con su dibujo (altura de cámara movimiento de cámara). El tamaño de los cuadros deberá ser idéntico a lo largo del relato..
Texto escrito:
Debajo de cada viñeta de plano, se indica brevemente la acción, si se quiere el sonido, música( musica que le pondrían). Podrían poner qué tamaño de plano(general, medio, primer plano, primerísimo primer plano(cuando se enfoca la cara muy de cerca) Los que hayan puesto diálogo pueden poner los diálogos que se correspondan con ese plano, con esa imagen.
.
Consideraciones: No se trata de un ejercicio de dibujo sino, como ya fue aclarado, de una narración. Por ello es necesario aclarar que no deben amedrentarse aquellos que no se consideren buenos dibujantes.
Un ejemplo para ver lo que es un Storyboard
Adaptación del Don Quijote al cine( Story Board)
"La aventura de los molinos"
http://www.youtube.com/watch?v=hZger1YivjU
Don Quijote, armado caballero
http://www.youtube.com/watch?v=-tf6TEJMU-w
domingo, 25 de octubre de 2009
Historia del Cine-grandes directores
Video que resume la historia del Cine
http://www.youtube.com/watch?v=ditiCdg9Yg0
Hermanos Lumière
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde Lumière)
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Hermanos Lumière
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Auguste (izquierda) y Louis Lumière.
Louis Jean (5 de octubre de 1864 – 6 de junio de 1948, 84 años) y Auguste Marie Louis Nicholas (19 de octubre de 1862 – 10 de abril de 1954, 92 años) fueron los inventores del proyector cinematográfico.
Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre, Antoine Lumière, tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.
A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables, como agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por la cámara.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes el 19 de marzo de 1895.
Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.
Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.
Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.
En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.
Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.
http://www.youtube.com/watch?v=ditiCdg9Yg0
"La llegada del tren"
http://www.youtube.com/watch?v=tz_l8JDYXmc&feature=related
La salida de los obreros de la fábrica
http://www.youtube.com/watch?v=xxLGDF_121U&feature=related
"El desayuno del Bebé"
http://www.youtube.com/watch?v=TcDVoRIDmdc&feature=related
Georges Meliés
El Monstruo(1903)
http://www.youtube.com/watch?v=AL-W_GwCN88&feature=related
Infernal Cauldrón
http://www.youtube.com/watch?v=VZoQBbqOtA4
El esqueleto danzante
http://www.youtube.com/watch?v=VZoQBbqOtA4
La conquista del Polo Norte(1912)
http://www.youtube.com/watch?v=dve0NqtBw0s&NR=1&feature=fvwp
George Meliés
Georges Méliès (París, 8 de diciembre de 1861 - ibídem, 21 de enero de 1938) fue uno de los pioneros de la cinematografía y uno de los máximos cineastas de todos los tiempos, tras sus propios creadores, los hermanos Lumière.
Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el lenguaje, que le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egiptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.
Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles.
Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.
Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 simultaneó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe.
Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.
Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, decidió comprar una máquina inmediatamente a los Lumière, que se negaron a vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin. Eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.
Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro.
Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena.
Viaje a la luna, 1902.
En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.
Méliès intentó distribuir comercialmente "Viaje a la Luna" en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por toda Norteamérica, y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.
De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil.
En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido.
Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria.
En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.
Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas.
Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa.
[editar] Filmografía
Durante su carrera como director; Georges Méliès edito variados filmes, entre ellos el más famoso: Le Voyage dans la Lune. Algunas de sus películas son:
Une partie de cartes (1896)
L'Escamotage d'une dame (1896)
La Cuirassé Maine (1898)
La caverne maudite (1898)
Cléopâtre (1899) (Cleópatra)
Le Christ marchant sur les eaux (1899)
Argentine (1899)
The golden King (1899)
Escamotage d'une dame chez Robert-Houdin (1899)
Illusioniste fin de siècle (1899)
Cinderella (1899)
L'Affaire Dreyfus (1899/1900)
Voyage a Italy (1901)
L’homme à la tête en caoutchouc (1901)
Le Voyage dans la Lune (1902)
Le Cake-walk infernal (1903)
Le Dilophosaurus attack! (1903)
La Flamme merveilleuse (1903)
O Reino das Fadas / Le Royaume des Fées (1903)
Le Monstre (1903)
Le Mélomane (1903)
L'Auberge du Bon Repos (1903)
La Lanterne magicue (1903)
La Rêve du Maître de Ballet (1903)
A Maldição de Fausto / La Damnation de Faust (1903)
Le Bourreau turc (1904)
Le Roi du Maquillage (1904)
Le Voyage a Chine (1904)
Le Voyage à travers l'Impossible (1904)
Le Palais des Mille et Une Nuits (1905)
Le Raid Paris-Monte Carlo en 2 heures (1905)
Les 400 Farces du Diable (1906)
L'Alchimste Parafaragamus ou la Cornue infernale (1906)
L'Éclipse du soleil en pleine lune (1907)
20.000 Léguas Submarinas (1907)
Diable, diable (1907)
Le Rêve d'un fumeur d'opium (1907)
Wasner ne le Lune (1909)
Le secret du Médécin (1910)
Les Hallucinations du Baron de Münchausen (1910)
Á la Conquète du Pole (1910)
MonteCristo (1911)
Le Chevalier des neiges (1912)
Cendrillon ou La pantoufle mystérieuse (1912)
Le Voyage de la famille Bourrichon (1913)
Mondo perdio (1912)
Le secret du Médécin 2 (1912/1913)
England (1913)
Le grand voyage (1913)
Imperhìo da Roman (1913/1914)
Voyage da español (1931)
Sergéi Eisenstein
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Sergéi Eisenstéin
Nombre real
Сергей Михайлович Эйзенштейн, Sergéi Mijáilovich Eizenshtéin (en letón: Sergejs Eizenšteins)
Nacimiento
23 de enero de 1898 Riga, Imperio ruso
Defunción
11 de febrero de 1948 Moscú, URSS
Ficha en IMDb
Sergéi Mijáilovich Eizenshtéin, más conocido como Sergéi Eisenstein (en ruso: Сергей Михайлович Эйзенштейн; en letón: Sergejs Eizenšteins; Riga, Letonia; 23 de enero de 1898 – Moscú, URSS, 11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior.
Contenido[ocultar]
1 Biografía
1.1 Su etapa estadounidense
1.2 De vuelta a la URSS
2 Análisis de su obra
3 Características de su obra
4 Filmografía
5 Referencias
6 Enlaces externos
//
[editar] Biografía
Cuando contaba 25 años, Eisenstéin puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.
Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstéin la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Luego de una larga investigación en el tema, Eisenstéin desarrolló lo que llamaría «montaje». Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.
Eisenstéin no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.
Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha «como quieras quiero».
Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.
[editar] Su etapa estadounidense
Eisenstein viajó a Europa en 1930 para investigar sobre el sonido, campo que en la Unión Soviética tardó bastante en desarrollarse. Un directivo de la Paramount se trasladó a París y convenció a Eisenstein de que firmara un contrato para grabar un disco de solista y para rodar en Hollywood, donde llegaría a cobrar hasta 900 dólares a la semana. Fue recibido en Nueva York como un genio, pero pronto se dedicaría a dar conferencias en las Universidades de Columbia y Harvard. Poco antes de marcharse para Hollywood, se estrenó en un cine de Arte y Ensayo de Nueva York su película La línea general, y los directivos de la Paramount Pictures se pusieron bastante nerviosos al conocer sus ideas sobre la colectivización y el comunismo.
Al entrar en los Estados Unidos, tuvo que jurar respeto a la Constitución estadounidense, pero sufrió distintas presiones para que no usara su gorra típica y para que no llevara barba.
Cuando le presentaron a las diversas estrellas de Hollywood, se mostró distante, excepto cuando conoció a Charles Chaplin y a Coleen Moore. Cuando escribió su primer guión para la Paramount, Sutter's Gold, fue rechazado, entre otros motivos porque el Mayor Frank Pease, de tendencias fascistas, lanzó un panfleto titulado Eisenstein, el mensajero del infierno en Hollywood, y entre otras cosas le llamaba perro rojo y le acusaba de todas las barbaridades, fueran reales o no, cometidas por los bolcheviques.
La Paramount no quería renunciar todavía a Eisenstein y le encargó otro guión, que se titularía An American Tragedy, adaptación de una obra de Theodor Dreiser que trataba sobre la justicia americana en un juicio por asesinato, y con el que la productora quedó encantada. El problema fue que el Comité Fish, antecesor al Comité de Actividades Antiamericanas, estaba actuando contra las actividades comunistas en California y contra la idea de llevar esa novela al cine. Todo esto hizo que finalmente la Paramount rompiera su contrato con Eisenstéin.
Entre 1930 y 1932 Eisenstéin visitó México, donde intentó producir una nueva película titulada ¡Que viva México!. Nada más llegar a México fueron encarcelados tanto él como sus dos ayudantes de dirección, todos rusos, pero gracias a la intervención de un amigo español, el panorama cambió hasta el punto de que le convirtieron en huésped de honor. Llegó a rodar 60.000 m de película, pero la producción se paró debido a que Upton Sinclair, el novelista estadounidense, dejó de patrocinar la película. Le dijo a Eisenstein que volviera a Moscú, a donde le enviaría la película ya rodada, cosa que nunca ocurrió. Upton Sinclair terminaría la película y estrenaría el resultado en 1933 bajo un título modificado: Thunder over Mexico (Trueno sobre México). Sinclair acusó a la Unión Soviética del fracaso del proyecto, y aunque es posible que sea así, es un punto aún no aclarado.
En su etapa americana conoció y se hizo amigo de Paul Robeson, el activista afroamericano de los derechos civiles.
[editar] De vuelta a la URSS
La visita de Eisenstéin a Norteamérica lo convirtió en sospechoso para Stalin, y esta sospecha jamás sería erradicada por completo de la mente de la élite estalinista. Las siguientes dos películas de Eisenstéin serían censuradas por cuestiones políticas, y se asignó un supervisor oficial para vigilar a Eisenstéin durante el rodaje de Alexánder Nevsky, película muy popular entre los soviéticos, por la que se le concedería la Orden de Lenin.
Su película Iván el Terrible, en la que presentaba a Iván IV de Rusia como un héroe nacional, ganó la aprobación de Stalin junto con un Premio Stalin, pero su secuela, Iván el Terrible, segunda parte no fue aprobada por el gobierno. El trabajo existente de la película fue confiscado y destruido en su mayor parte, sobreviviendo solamente una pequeña parte del trabajo original.
Eisenstéin sufrió una terrible hemorragia a causa de un infarto y murió a los 50 años de edad. Una leyenda sin confirmar del mundo de la cinematografía afirma que científicos rusos preservaron el cerebro del cineasta, el cual supuestamente era más grande que un cerebro humano común.
[editar] Análisis de su obra
En 1925, podrá poner en práctica sus teorías en su primera gran obra, La huelga (Стачка), aunque él mismo consideró que había fracasado a la hora de hacer fluir las emociones de los espectadores, y que era demasiado teatral. Se incautó la única copia que había de la película y no se pudo volver a distribuir hasta después de su muerte, aunque el film llegó a ser exhibido en Occidente y obtuvo el premio en la Exposición de París en 1925.
Pero será su siguiente película, El acorazado Potemkin, la que dará a conocer su nombre en todo el mundo, y es posiblemente la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. Según Eisenstéin, el guión de la película, de Nina Agadzhánova-Shutkó, fue escrito para una película en ocho episodios, 1905, que comenzó a rodarse en Leningrado y pensaba relatar los sucesos de la huelga general. Tuvieron que abandonar el rodaje por el mal tiempo, y se dirigieron a Odesa a rodar el capítulo dedicado al motín del Potemkin. Decidió entonces Eisenstein centrar la película en ese episodio, y se abandonó su proyecto de 1905.
Cuando llegaron a Odesa, buscó a los supervivientes de la masacre, e incluso localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Reescribió el guión y realizó diversos títulos para dirigir la acción. Aunque los medios eran pocos, gracias a una serie de experimentos técnicos obtuvieron resultados asombrosos: pantallas reflectantes, fotografía desenfocada, plataformas móviles entre otros.
Eisenstein erige su película en 1.290 planos, combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico. Los movimientos de cámara son escasísimos, sólo realiza varios travellings porque los considera innecesarios, ya que el movimiento está determinado por la acción y por el montaje. Destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas, donde crea un tempo artificial, que hace que la secuencia dure casi 6 minutos. Prescindirá de simbolismos intelectuales, y con una espléndida fotografía, en la que la masa se convertirá en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine soviético.
Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica en la época.
Tras esta gran película realizará dos trabajos más, Octubre, donde narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución bolchevique de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), film sobre la reforma agraria, aunque por los cambios en la colectividad agraria en la Unión Soviética tuvo que cambiar su guión en varias ocasiones. En estas dos obras, volverá a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegarán a ser muy bien comprendidas en su época. Además, en La línea general su protagonista no será la masa, sino una heroína individual, María Lápkina. El problema que tuvo con Octubre es que su estreno tuvo que retrasarse hasta cinco meses, pues en pleno proceso de postproducción se enteró de que Trotsky había caído en desgracia, y tuvo que quitarle de todos los planos en los que aparecía en la película.
Al término de estos trabajos, Eisenstéin abandona Rusia para estudiar en el extranjero el nuevo cine sonoro. En Hollywood presenta varios guiones, pero todos son rechazados, por lo que acepta el proyecto de rodar una película sobre la revolución mexicana, por parte del escritor U. Sinclair, titulada ¡Que viva México!, pero cuando llevaba rodadas 24 horas de película de proyección, le retiraron el apoyo económico y tuvo que dejarla incompleta. Con el material rodado se han hecho seis montajes distintos, pero ninguno por el propio Eisenstéin.
Profundamente deprimido, Eisenstéin regresa a su patria, donde tampoco podrá culminar su siguiente rodaje, La pradera de Bejín, tragedia campesina, que será saboteada por el máximo responsable de la cinematografía rusa, que la considera políticamente incorrecta. Entonces, al igual que hiciera Pudovkin, se refugia en la enseñanza y en la elaboración de su teoría sobre el empleo del color y del sonido, que como veremos más adelante, no tendrá ocasión de llevar a la práctica.
Diez años después de su última obra, Eisenstéin dirige Alexánder Nevski, que cuenta las andanzas de este héroe nacional ruso, que derrotó a los teutones en el siglo XIII. En ella vuelve a hacer gala de su maestría para el montaje. Su protagonista vuelve a ser una sola persona, no la masa, y desparece su vigoroso estilo documental para ser sustituido por una delicada reconstrucción de la historia.
A comienzos de los años 40, proyecta una amplia trilogía sobre la figura de Ivan Grosni, el zar Iván el Terrible. Plantea el drama del zar como la materialización de las contradicciones de un político creyente fiel y ortodoxo, que se ve obligado a enfrentarse con la Iglesia rusa que no quiere perder sus privilegios feudales. La imagen que presenta Eisenstéin de este zar torturado, que se cuestiona si el poder proviene de Dios o del pueblo, disgusta a los dirigentes comunistas soviéticos, y después de recibir el Premio Stalin por su primer capítulo, su segunda y su tercera parte, que pensaba rodarlas en color, son prohibidas. Eisenstéin fallecerá caído en desgracia en 1948.
[editar] Características de su obra
Es fundamental su aportación teórica, como su hipótesis sobre el «montaje de atracciones», donde postula el empleo en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall.
Eisenstein repudiará el montaje clásico, tal como lo concibe Griffith, a pesar de haberse inspirado para sus teorías en la película Intolerancia de este director, y derivará sus teorías sobre el montaje del estudio de los ideogramas japoneses, en los que dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera, como por ejemplo: ojo + agua = llanto; puerta + oreja = escuchar; boca + perro = ladrar.
Concepto de la tercera idea. El montaje es para él: «Una idea que surge de la colisión dialéctica entre otras dos, independientes la una de la otra». Este método le permitirá partir de elementos físicos representables para visualizar conceptos e ideas de complicada representación.
El movimiento está determinado por la acción y por el montaje.
El protagonista en sus obras es la masa, el pueblo.
[editar] Filmografía
El diario de Glúmov (1923)
La huelga (1924)
El acorazado Potemkin (1925) `
Escena: La escalera de Odessa
http://www.youtube.com/watch?v=GZOFRtmMj8o&feature=fvw
Octubre (1927)
Fuente: Wikipedia
La película Octubre, originalmente Октябрь (Oktyabr) en ruso, fue encargada con motivo del décimo aniversario de la Revolución de Octubre. Stalin encargó esta joya del cine ruso al genial maestro Sergei Eisenstein, la cual es la tercera película más importante en su carrera como director. Las más avanzadas técnicas del momento fueron usadas para describir la masacre de San Petersburgo. Stalin censuró personalmente el montaje final.
Una película en la que, siguiendo la filosofía comunista, no había personajes principales. La habilidad de Eisenstein y su experiencia se ve en los rápidos movimientos y en el ritmo en el montaje, así como en la construcción de intensas secuencias que no fueron bien entendidas por las tempranas generaciones rusas. El film se retrasó en su estreno hasta 1928 debido a la presión de algunos grupos influyentes, y además se cortaron algunas escenas. Muchos participantes de la revolución tales como los Guardias Rojos, soldados, marineros o personajes como Trotski y Lenin aparecen en el film, dando buena prueba de la fidelidad que pretende reflejar. Las escenas en las que aparece Trotski fueron suprimidas en las versiones posteriores.
Escenas de la película
http://www.youtube.com/watch?v=h0ebWlaFu58
http://www.youtube.com/watch?v=wX41KCoGDMU&NR=1
La línea general (1929)
¡Que viva México! (inacabada) (1930–1932)
El prado de Bezhin (inacabada) (1935–1937)
Alexánder Nevsky (1938)
Iván el Terrible (1943–1945)
Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948–1958)
Iván el Terrible, tercera parte (inacabada)
Romance sentimental (Francia, 1930)
Trueno sobre México (1933)
Eisenstein en México (1933)
Día de muerte (1933)
Tiempo en el sol (1940)
http://www.youtube.com/watch?v=ditiCdg9Yg0
Primeras filmaciones de la historia: Los Hermanos Lumiëre
Louis Jean (5 de octubre de 1864 -- 6 junio de 1948) y Auguste Marie Louis Nicholas (19 de octubre de 1862 -- 10 de abril de 1954) fueron los inventores del proyector cinematográfico.Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre tenía una firma fotográfica y ambos hermanos trabajaban para él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.Al morir su padre en 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos — notablemente, agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por la cámara.Crearon un aparato que servía tanto como cámara como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana del ojo humano. Ellos la cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón.El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Socété d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes el 19 de marzo de 1895.
Hermanos Lumière
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Auguste (izquierda) y Louis Lumière.
Louis Jean (5 de octubre de 1864 – 6 de junio de 1948, 84 años) y Auguste Marie Louis Nicholas (19 de octubre de 1862 – 10 de abril de 1954, 92 años) fueron los inventores del proyector cinematográfico.
Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre, Antoine Lumière, tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.
A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables, como agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por la cámara.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes el 19 de marzo de 1895.
Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.
Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.
Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.
En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.
Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.
http://www.youtube.com/watch?v=ditiCdg9Yg0
"La llegada del tren"
http://www.youtube.com/watch?v=tz_l8JDYXmc&feature=related
La salida de los obreros de la fábrica
http://www.youtube.com/watch?v=xxLGDF_121U&feature=related
"El desayuno del Bebé"
http://www.youtube.com/watch?v=TcDVoRIDmdc&feature=related
Georges Meliés
El Monstruo(1903)
http://www.youtube.com/watch?v=AL-W_GwCN88&feature=related
Infernal Cauldrón
http://www.youtube.com/watch?v=VZoQBbqOtA4
El esqueleto danzante
http://www.youtube.com/watch?v=VZoQBbqOtA4
La conquista del Polo Norte(1912)
http://www.youtube.com/watch?v=dve0NqtBw0s&NR=1&feature=fvwp
George Meliés
Georges Méliès (París, 8 de diciembre de 1861 - ibídem, 21 de enero de 1938) fue uno de los pioneros de la cinematografía y uno de los máximos cineastas de todos los tiempos, tras sus propios creadores, los hermanos Lumière.
Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el lenguaje, que le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egiptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.
Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles.
Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.
Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 simultaneó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe.
Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.
Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, decidió comprar una máquina inmediatamente a los Lumière, que se negaron a vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin. Eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.
Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro.
Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena.
Viaje a la luna, 1902.
En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.
Méliès intentó distribuir comercialmente "Viaje a la Luna" en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por toda Norteamérica, y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.
De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil.
En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido.
Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria.
En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.
Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas.
Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa.
[editar] Filmografía
Durante su carrera como director; Georges Méliès edito variados filmes, entre ellos el más famoso: Le Voyage dans la Lune. Algunas de sus películas son:
Une partie de cartes (1896)
L'Escamotage d'une dame (1896)
La Cuirassé Maine (1898)
La caverne maudite (1898)
Cléopâtre (1899) (Cleópatra)
Le Christ marchant sur les eaux (1899)
Argentine (1899)
The golden King (1899)
Escamotage d'une dame chez Robert-Houdin (1899)
Illusioniste fin de siècle (1899)
Cinderella (1899)
L'Affaire Dreyfus (1899/1900)
Voyage a Italy (1901)
L’homme à la tête en caoutchouc (1901)
Le Voyage dans la Lune (1902)
Le Cake-walk infernal (1903)
Le Dilophosaurus attack! (1903)
La Flamme merveilleuse (1903)
O Reino das Fadas / Le Royaume des Fées (1903)
Le Monstre (1903)
Le Mélomane (1903)
L'Auberge du Bon Repos (1903)
La Lanterne magicue (1903)
La Rêve du Maître de Ballet (1903)
A Maldição de Fausto / La Damnation de Faust (1903)
Le Bourreau turc (1904)
Le Roi du Maquillage (1904)
Le Voyage a Chine (1904)
Le Voyage à travers l'Impossible (1904)
Le Palais des Mille et Une Nuits (1905)
Le Raid Paris-Monte Carlo en 2 heures (1905)
Les 400 Farces du Diable (1906)
L'Alchimste Parafaragamus ou la Cornue infernale (1906)
L'Éclipse du soleil en pleine lune (1907)
20.000 Léguas Submarinas (1907)
Diable, diable (1907)
Le Rêve d'un fumeur d'opium (1907)
Wasner ne le Lune (1909)
Le secret du Médécin (1910)
Les Hallucinations du Baron de Münchausen (1910)
Á la Conquète du Pole (1910)
MonteCristo (1911)
Le Chevalier des neiges (1912)
Cendrillon ou La pantoufle mystérieuse (1912)
Le Voyage de la famille Bourrichon (1913)
Mondo perdio (1912)
Le secret du Médécin 2 (1912/1913)
England (1913)
Le grand voyage (1913)
Imperhìo da Roman (1913/1914)
Voyage da español (1931)
Sergéi Eisenstein
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Sergéi Eisenstéin
Nombre real
Сергей Михайлович Эйзенштейн, Sergéi Mijáilovich Eizenshtéin (en letón: Sergejs Eizenšteins)
Nacimiento
23 de enero de 1898 Riga, Imperio ruso
Defunción
11 de febrero de 1948 Moscú, URSS
Ficha en IMDb
Sergéi Mijáilovich Eizenshtéin, más conocido como Sergéi Eisenstein (en ruso: Сергей Михайлович Эйзенштейн; en letón: Sergejs Eizenšteins; Riga, Letonia; 23 de enero de 1898 – Moscú, URSS, 11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior.
Contenido[ocultar]
1 Biografía
1.1 Su etapa estadounidense
1.2 De vuelta a la URSS
2 Análisis de su obra
3 Características de su obra
4 Filmografía
5 Referencias
6 Enlaces externos
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[editar] Biografía
Cuando contaba 25 años, Eisenstéin puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.
Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstéin la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Luego de una larga investigación en el tema, Eisenstéin desarrolló lo que llamaría «montaje». Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.
Eisenstéin no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.
Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha «como quieras quiero».
Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.
[editar] Su etapa estadounidense
Eisenstein viajó a Europa en 1930 para investigar sobre el sonido, campo que en la Unión Soviética tardó bastante en desarrollarse. Un directivo de la Paramount se trasladó a París y convenció a Eisenstein de que firmara un contrato para grabar un disco de solista y para rodar en Hollywood, donde llegaría a cobrar hasta 900 dólares a la semana. Fue recibido en Nueva York como un genio, pero pronto se dedicaría a dar conferencias en las Universidades de Columbia y Harvard. Poco antes de marcharse para Hollywood, se estrenó en un cine de Arte y Ensayo de Nueva York su película La línea general, y los directivos de la Paramount Pictures se pusieron bastante nerviosos al conocer sus ideas sobre la colectivización y el comunismo.
Al entrar en los Estados Unidos, tuvo que jurar respeto a la Constitución estadounidense, pero sufrió distintas presiones para que no usara su gorra típica y para que no llevara barba.
Cuando le presentaron a las diversas estrellas de Hollywood, se mostró distante, excepto cuando conoció a Charles Chaplin y a Coleen Moore. Cuando escribió su primer guión para la Paramount, Sutter's Gold, fue rechazado, entre otros motivos porque el Mayor Frank Pease, de tendencias fascistas, lanzó un panfleto titulado Eisenstein, el mensajero del infierno en Hollywood, y entre otras cosas le llamaba perro rojo y le acusaba de todas las barbaridades, fueran reales o no, cometidas por los bolcheviques.
La Paramount no quería renunciar todavía a Eisenstein y le encargó otro guión, que se titularía An American Tragedy, adaptación de una obra de Theodor Dreiser que trataba sobre la justicia americana en un juicio por asesinato, y con el que la productora quedó encantada. El problema fue que el Comité Fish, antecesor al Comité de Actividades Antiamericanas, estaba actuando contra las actividades comunistas en California y contra la idea de llevar esa novela al cine. Todo esto hizo que finalmente la Paramount rompiera su contrato con Eisenstéin.
Entre 1930 y 1932 Eisenstéin visitó México, donde intentó producir una nueva película titulada ¡Que viva México!. Nada más llegar a México fueron encarcelados tanto él como sus dos ayudantes de dirección, todos rusos, pero gracias a la intervención de un amigo español, el panorama cambió hasta el punto de que le convirtieron en huésped de honor. Llegó a rodar 60.000 m de película, pero la producción se paró debido a que Upton Sinclair, el novelista estadounidense, dejó de patrocinar la película. Le dijo a Eisenstein que volviera a Moscú, a donde le enviaría la película ya rodada, cosa que nunca ocurrió. Upton Sinclair terminaría la película y estrenaría el resultado en 1933 bajo un título modificado: Thunder over Mexico (Trueno sobre México). Sinclair acusó a la Unión Soviética del fracaso del proyecto, y aunque es posible que sea así, es un punto aún no aclarado.
En su etapa americana conoció y se hizo amigo de Paul Robeson, el activista afroamericano de los derechos civiles.
[editar] De vuelta a la URSS
La visita de Eisenstéin a Norteamérica lo convirtió en sospechoso para Stalin, y esta sospecha jamás sería erradicada por completo de la mente de la élite estalinista. Las siguientes dos películas de Eisenstéin serían censuradas por cuestiones políticas, y se asignó un supervisor oficial para vigilar a Eisenstéin durante el rodaje de Alexánder Nevsky, película muy popular entre los soviéticos, por la que se le concedería la Orden de Lenin.
Su película Iván el Terrible, en la que presentaba a Iván IV de Rusia como un héroe nacional, ganó la aprobación de Stalin junto con un Premio Stalin, pero su secuela, Iván el Terrible, segunda parte no fue aprobada por el gobierno. El trabajo existente de la película fue confiscado y destruido en su mayor parte, sobreviviendo solamente una pequeña parte del trabajo original.
Eisenstéin sufrió una terrible hemorragia a causa de un infarto y murió a los 50 años de edad. Una leyenda sin confirmar del mundo de la cinematografía afirma que científicos rusos preservaron el cerebro del cineasta, el cual supuestamente era más grande que un cerebro humano común.
[editar] Análisis de su obra
En 1925, podrá poner en práctica sus teorías en su primera gran obra, La huelga (Стачка), aunque él mismo consideró que había fracasado a la hora de hacer fluir las emociones de los espectadores, y que era demasiado teatral. Se incautó la única copia que había de la película y no se pudo volver a distribuir hasta después de su muerte, aunque el film llegó a ser exhibido en Occidente y obtuvo el premio en la Exposición de París en 1925.
Pero será su siguiente película, El acorazado Potemkin, la que dará a conocer su nombre en todo el mundo, y es posiblemente la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. Según Eisenstéin, el guión de la película, de Nina Agadzhánova-Shutkó, fue escrito para una película en ocho episodios, 1905, que comenzó a rodarse en Leningrado y pensaba relatar los sucesos de la huelga general. Tuvieron que abandonar el rodaje por el mal tiempo, y se dirigieron a Odesa a rodar el capítulo dedicado al motín del Potemkin. Decidió entonces Eisenstein centrar la película en ese episodio, y se abandonó su proyecto de 1905.
Cuando llegaron a Odesa, buscó a los supervivientes de la masacre, e incluso localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Reescribió el guión y realizó diversos títulos para dirigir la acción. Aunque los medios eran pocos, gracias a una serie de experimentos técnicos obtuvieron resultados asombrosos: pantallas reflectantes, fotografía desenfocada, plataformas móviles entre otros.
Eisenstein erige su película en 1.290 planos, combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico. Los movimientos de cámara son escasísimos, sólo realiza varios travellings porque los considera innecesarios, ya que el movimiento está determinado por la acción y por el montaje. Destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas, donde crea un tempo artificial, que hace que la secuencia dure casi 6 minutos. Prescindirá de simbolismos intelectuales, y con una espléndida fotografía, en la que la masa se convertirá en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine soviético.
Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica en la época.
Tras esta gran película realizará dos trabajos más, Octubre, donde narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución bolchevique de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), film sobre la reforma agraria, aunque por los cambios en la colectividad agraria en la Unión Soviética tuvo que cambiar su guión en varias ocasiones. En estas dos obras, volverá a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegarán a ser muy bien comprendidas en su época. Además, en La línea general su protagonista no será la masa, sino una heroína individual, María Lápkina. El problema que tuvo con Octubre es que su estreno tuvo que retrasarse hasta cinco meses, pues en pleno proceso de postproducción se enteró de que Trotsky había caído en desgracia, y tuvo que quitarle de todos los planos en los que aparecía en la película.
Al término de estos trabajos, Eisenstéin abandona Rusia para estudiar en el extranjero el nuevo cine sonoro. En Hollywood presenta varios guiones, pero todos son rechazados, por lo que acepta el proyecto de rodar una película sobre la revolución mexicana, por parte del escritor U. Sinclair, titulada ¡Que viva México!, pero cuando llevaba rodadas 24 horas de película de proyección, le retiraron el apoyo económico y tuvo que dejarla incompleta. Con el material rodado se han hecho seis montajes distintos, pero ninguno por el propio Eisenstéin.
Profundamente deprimido, Eisenstéin regresa a su patria, donde tampoco podrá culminar su siguiente rodaje, La pradera de Bejín, tragedia campesina, que será saboteada por el máximo responsable de la cinematografía rusa, que la considera políticamente incorrecta. Entonces, al igual que hiciera Pudovkin, se refugia en la enseñanza y en la elaboración de su teoría sobre el empleo del color y del sonido, que como veremos más adelante, no tendrá ocasión de llevar a la práctica.
Diez años después de su última obra, Eisenstéin dirige Alexánder Nevski, que cuenta las andanzas de este héroe nacional ruso, que derrotó a los teutones en el siglo XIII. En ella vuelve a hacer gala de su maestría para el montaje. Su protagonista vuelve a ser una sola persona, no la masa, y desparece su vigoroso estilo documental para ser sustituido por una delicada reconstrucción de la historia.
A comienzos de los años 40, proyecta una amplia trilogía sobre la figura de Ivan Grosni, el zar Iván el Terrible. Plantea el drama del zar como la materialización de las contradicciones de un político creyente fiel y ortodoxo, que se ve obligado a enfrentarse con la Iglesia rusa que no quiere perder sus privilegios feudales. La imagen que presenta Eisenstéin de este zar torturado, que se cuestiona si el poder proviene de Dios o del pueblo, disgusta a los dirigentes comunistas soviéticos, y después de recibir el Premio Stalin por su primer capítulo, su segunda y su tercera parte, que pensaba rodarlas en color, son prohibidas. Eisenstéin fallecerá caído en desgracia en 1948.
[editar] Características de su obra
Es fundamental su aportación teórica, como su hipótesis sobre el «montaje de atracciones», donde postula el empleo en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall.
Eisenstein repudiará el montaje clásico, tal como lo concibe Griffith, a pesar de haberse inspirado para sus teorías en la película Intolerancia de este director, y derivará sus teorías sobre el montaje del estudio de los ideogramas japoneses, en los que dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera, como por ejemplo: ojo + agua = llanto; puerta + oreja = escuchar; boca + perro = ladrar.
Concepto de la tercera idea. El montaje es para él: «Una idea que surge de la colisión dialéctica entre otras dos, independientes la una de la otra». Este método le permitirá partir de elementos físicos representables para visualizar conceptos e ideas de complicada representación.
El movimiento está determinado por la acción y por el montaje.
El protagonista en sus obras es la masa, el pueblo.
[editar] Filmografía
El diario de Glúmov (1923)
La huelga (1924)
El acorazado Potemkin (1925) `
Escena: La escalera de Odessa
http://www.youtube.com/watch?v=GZOFRtmMj8o&feature=fvw
Octubre (1927)
Fuente: Wikipedia
La película Octubre, originalmente Октябрь (Oktyabr) en ruso, fue encargada con motivo del décimo aniversario de la Revolución de Octubre. Stalin encargó esta joya del cine ruso al genial maestro Sergei Eisenstein, la cual es la tercera película más importante en su carrera como director. Las más avanzadas técnicas del momento fueron usadas para describir la masacre de San Petersburgo. Stalin censuró personalmente el montaje final.
Una película en la que, siguiendo la filosofía comunista, no había personajes principales. La habilidad de Eisenstein y su experiencia se ve en los rápidos movimientos y en el ritmo en el montaje, así como en la construcción de intensas secuencias que no fueron bien entendidas por las tempranas generaciones rusas. El film se retrasó en su estreno hasta 1928 debido a la presión de algunos grupos influyentes, y además se cortaron algunas escenas. Muchos participantes de la revolución tales como los Guardias Rojos, soldados, marineros o personajes como Trotski y Lenin aparecen en el film, dando buena prueba de la fidelidad que pretende reflejar. Las escenas en las que aparece Trotski fueron suprimidas en las versiones posteriores.
Escenas de la película
http://www.youtube.com/watch?v=h0ebWlaFu58
http://www.youtube.com/watch?v=wX41KCoGDMU&NR=1
La línea general (1929)
¡Que viva México! (inacabada) (1930–1932)
El prado de Bezhin (inacabada) (1935–1937)
Alexánder Nevsky (1938)
Iván el Terrible (1943–1945)
Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948–1958)
Iván el Terrible, tercera parte (inacabada)
Romance sentimental (Francia, 1930)
Trueno sobre México (1933)
Eisenstein en México (1933)
Día de muerte (1933)
Tiempo en el sol (1940)
viernes, 23 de octubre de 2009
Síntesis clase 2
En la clase 2 retomamos las nociones de género y estilo. Partiendo de la propuesta analítica de los géneros analizamos los rasgos retóricos, temáticos y enunciativos de fragmentos de películas correspondientes al género suspenso y género romántico(o drama romántico).Luego de la visualización de algunas escenas, los alumnos reconstruyeron algunos aspectos que tienen que ver con el lenguaje cinematográfico así como tambien de los temas propios de dichos géneros Luego analizamos algunas de las "proposiciones sobre le género" que establece Oscar Steimberg
Por último, comenzamos a ver la teoría de los discursos sociales de Eliseo Verón: noción de sentido de la que parte la sociosemiótica y sus diferencias con la linguística estructuralista(F. Saussure). Bajtín(noción de género) y Benveniste(Teoría de la enunciación) como textos fundantes de la la teoría de los discursos sociales.
Luego planteamos la consigna(ver apartado de consigna) en torno a los relatos producidos durante la primera clase.
Gustavo
Por último, comenzamos a ver la teoría de los discursos sociales de Eliseo Verón: noción de sentido de la que parte la sociosemiótica y sus diferencias con la linguística estructuralista(F. Saussure). Bajtín(noción de género) y Benveniste(Teoría de la enunciación) como textos fundantes de la la teoría de los discursos sociales.
Luego planteamos la consigna(ver apartado de consigna) en torno a los relatos producidos durante la primera clase.
Gustavo
miércoles, 21 de octubre de 2009
Lenguaje cinematográfico
Aqui les indico algunos vínculos de youtube en donde hay cierto material interesante sobre lenguajecinematográfico. Sería interesante que vean ese material, parece muy interesante para ver elementos fundamentales para la construcción del sentido en el cine tales como posición de la cámara, movimientos de cámara, etc
http://www.youtube.com/watch?v=IEDNnVwvNqY&feature=related
Lenguaje cinematográfico: las imagenes en movimiento
http://www.youtube.com/watch?v=wXQn38iyH4s&feature=related
Movimientos de cámara
http://www.youtube.com/watch?v=E4GTV3XBRNY&feature=PlayList&p=2276B2C88ED0A0E6&playnext=1&playnext_from=PL&index=12
http://www.youtube.com/watch?v=ReevYm4RNv4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=IEDNnVwvNqY&feature=related
Lenguaje cinematográfico: las imagenes en movimiento
http://www.youtube.com/watch?v=wXQn38iyH4s&feature=related
Movimientos de cámara
http://www.youtube.com/watch?v=E4GTV3XBRNY&feature=PlayList&p=2276B2C88ED0A0E6&playnext=1&playnext_from=PL&index=12
http://www.youtube.com/watch?v=ReevYm4RNv4&feature=related
Consigna "escenas para un relato" para Lunes
En el ejercicio "Narrar con imágenes" los grupos crearon historias de suspenso y románticas.
Consigna:
El segundo paso de este trabajo es, basados en el relato que ya escribieron, crear una pequeña escena de ese relato en la que se noten bien las características del género( para "ajustar" sus relatos pueden servir las notas tomadas en clase en cuanto la carasterísticas típicas de cada género).
Algunas cuestiones a tener en cuenta:
En la escena podrìan haber diálogo o bien una voz en off, o ambas. Debería aparecer el tema global y/o subtemas que permitieran reconocer de que género se trata.
Deben tener en cuenta que el tema del relato, las características de los personajes, la forma de contar los hechos se ajuste a las características propias del género( ej tema, forma de contarlo, tipos de personajes) que les tocó trabajar.
Aunque todavía aún no tienen que dibujar o elegir las imágenes las escenas intenten recrear en su mente que imágenes( de las que ya tienen u otras) pondrían formar parte de esa breve escena.
Con este ejercicio pretendemos que vayan incorporando algunos elementos propios del lenguaje audiovisual que ya empezamos a ver y que seguiremos tratando en clase.
Gustavo Lastra/Esteban Davenport
Consigna:
El segundo paso de este trabajo es, basados en el relato que ya escribieron, crear una pequeña escena de ese relato en la que se noten bien las características del género( para "ajustar" sus relatos pueden servir las notas tomadas en clase en cuanto la carasterísticas típicas de cada género).
Algunas cuestiones a tener en cuenta:
En la escena podrìan haber diálogo o bien una voz en off, o ambas. Debería aparecer el tema global y/o subtemas que permitieran reconocer de que género se trata.
Deben tener en cuenta que el tema del relato, las características de los personajes, la forma de contar los hechos se ajuste a las características propias del género( ej tema, forma de contarlo, tipos de personajes) que les tocó trabajar.
Aunque todavía aún no tienen que dibujar o elegir las imágenes las escenas intenten recrear en su mente que imágenes( de las que ya tienen u otras) pondrían formar parte de esa breve escena.
Con este ejercicio pretendemos que vayan incorporando algunos elementos propios del lenguaje audiovisual que ya empezamos a ver y que seguiremos tratando en clase.
Gustavo Lastra/Esteban Davenport
Otro género, otras carácteríticas: "El Amor en tiempos de cólera"
Aquí ( http://www.youtube.com/watch?v=tR83Sq9diyg) subimos algunas escenas de la película "El amor en tiempos de cólera en tanto y en cuanto pertenece por sus características retóricas(figuración, Narración, Argumentación), temáticas ( tema "global" y motivos restriguidos )
Comienzo del Film
http://www.youtube.com/watch?v=tR83Sq9diyg
Otras escenas( Claves para ver la referencia de género)
http://www.youtube.com/watch?v=nyZdm8q1F7k&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=uvnGbRXMkhQ&feature=fvw
http://www.youtube.com/watch?v=uvnGbRXMkhQ&feature=fvw
Algunas notas interesantes:
“El amor en los tiempos del cólera.”
El amor en los tiempos del cólera, (Love in the Time of Cholera), es una película de 2007 dirigida por Mike Newell y protagonizada por Javier Bardem. La película fue rodada principalmente en la ciudad de Cartagena de Indias en el año 2006 y está basada en la obra homónima del escritor colombiano Gabriel García Márquez. Cuenta con la participación de varios actores de origen hispano.
La película narra la historia de Florentino Ariza (Javier Bardem) que es capaz de esperar 53 años 7 meses y once días al que considera es el amor de su vida Fermina Daza (Giovanna Mezzogiorno). La historia se desarrolla a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la costa caribe de Colombia; en tiempos que reina la penuria y varias guerras civiles azotan al país. A las ciudades costeras llega la epidemia del cólera y los "síntomas del amor selas diferencias sociales y de carácter los separan….…….” ¿Que conflicto tiene en su trabajo confunden con los de esta enfermedad".
“Florentino se enamora de Fermina y la corteja desde su adolescencia pero ....."
Biografía del autor:
Nació el 28 de marzo de 1942 en Saint Albans, condado de Hertfordshire, (Inglaterra). Se graduó en la Universidad de Cambridge. Estuvo diez años trabajando en series y películas para la televisión.
Su primer largometraje se estrenó en 1977 titulado El hombre de la máscara de hierro, adaptación de la novela homónima de Alejandro Dumas.
Su mayor éxito ha sido en el 2005 con la cuarta entrega de la adaptación cinematográfica de Harry Potter titulada Harry Potter y el cáliz de fuego, basada en la novela homónima de J.K. Rowling. Fue tanto su entusiasmo al obtener el trabajo que durante las ruedas de prensa para La sonrisa de Mona Lisa no paraba de hablar de su próximo proyecto, Harry Potter. Fue el primer director británico que ha tenido la franquicia.
Comienzo del Film
http://www.youtube.com/watch?v=tR83Sq9diyg
Otras escenas( Claves para ver la referencia de género)
http://www.youtube.com/watch?v=nyZdm8q1F7k&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=uvnGbRXMkhQ&feature=fvw
http://www.youtube.com/watch?v=uvnGbRXMkhQ&feature=fvw
Algunas notas interesantes:
“El amor en los tiempos del cólera.”
El amor en los tiempos del cólera, (Love in the Time of Cholera), es una película de 2007 dirigida por Mike Newell y protagonizada por Javier Bardem. La película fue rodada principalmente en la ciudad de Cartagena de Indias en el año 2006 y está basada en la obra homónima del escritor colombiano Gabriel García Márquez. Cuenta con la participación de varios actores de origen hispano.
La película narra la historia de Florentino Ariza (Javier Bardem) que es capaz de esperar 53 años 7 meses y once días al que considera es el amor de su vida Fermina Daza (Giovanna Mezzogiorno). La historia se desarrolla a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la costa caribe de Colombia; en tiempos que reina la penuria y varias guerras civiles azotan al país. A las ciudades costeras llega la epidemia del cólera y los "síntomas del amor selas diferencias sociales y de carácter los separan….…….” ¿Que conflicto tiene en su trabajo confunden con los de esta enfermedad".
“Florentino se enamora de Fermina y la corteja desde su adolescencia pero ....."
Biografía del autor:
Nació el 28 de marzo de 1942 en Saint Albans, condado de Hertfordshire, (Inglaterra). Se graduó en la Universidad de Cambridge. Estuvo diez años trabajando en series y películas para la televisión.
Su primer largometraje se estrenó en 1977 titulado El hombre de la máscara de hierro, adaptación de la novela homónima de Alejandro Dumas.
Su mayor éxito ha sido en el 2005 con la cuarta entrega de la adaptación cinematográfica de Harry Potter titulada Harry Potter y el cáliz de fuego, basada en la novela homónima de J.K. Rowling. Fue tanto su entusiasmo al obtener el trabajo que durante las ruedas de prensa para La sonrisa de Mona Lisa no paraba de hablar de su próximo proyecto, Harry Potter. Fue el primer director británico que ha tenido la franquicia.
Género suspenso: La Dalia Negra y Los Crímenes de Oxford
La Dalia Negra es una película estadounidense dirigida por Brian De Palma.
Argumento
El hallazgo en un solar del cadáver descuartizado y brutalmente mutilado de una mujer joven se convierte en un caso de interés mediático a causa de la gran repercusión que éste recibe por parte de la prensa de Los Ángeles. El médico forense determina que ha sido torturada durante días, mientras conservaba el conocimiento. Un periodista bautiza a la víctima como La Dalia Negra por la manera que solía vestir la víctima...." ¿El resto mejor no lo contamos no les parece? Recomendamos verla en clave de los conceptos que vamos viendo durante las clases
Comentarios
Inspirada en la novela homónima del escritor James Ellroy, autor de L.A. Confidential. Está ambientada en la ciudad de Los Ángeles de los años 40. Basada en hechos reales, la historia de la postulante a actriz Elizabeth Short y sobre todo, la de su espeluznante asesinato, es el centro de la trama de esta película..." . Se le llamaba la Dalia Negra porque.... " (Sería muy bueno que pudiesemos develar ese misterio). Un crimen aún hoy sin resolver y la fascinación de su director por el caso, lo han llevado a plasmar esta obra cinematográfica de excepción . La dalia negra es una extraña muerte, por eso la investigación se ha seguido a fondo para conocer su verdadero origen(¿¿¿¿¿???) de muerte.
Nota:
El resto lo completamos entre todos ¿Qué les parece?
Propuesta
Tal vez podrían alquilarla y analizar dicha película tratando de definir el tema, ver ciertos rasgos retóricos( aparición de figuras retóricas, temáticas) Tal vez podría ser interesante analizar cómo se narra la historia, esto es, como se estructura el tiempo en ese discurso( ej: en el caso del suspenso, si la historia se cuenta de manera lineal o si, por ejemplo, se cuenta la historia empezando por el final para luego volver al presente del relato etc, etc) Se podria indagar cómo son los personajes, las intrigas, los conflictos y, si es que se solucionan, cómo es dicha resolución. Estos y otros aspectos podrían ser interesantes para el análisis de esta u otras películas así como también de los propios textos literarios. En cuanto al estilo, que puede ser al mismo tiempo individual(Director) o de época( esto es, rasgos característicos de contar historias de suspenso en un momento histórico determinado) podrían intentar, tal como lo hace Oscar Steimberg, analizarlo, al igual que los géneros describiendo los rasgos retóricos(figuración, narración, argumentación), Temáticos(s/Richard Segre: Conceptos de tema y motivo) para luego ver que enunciador y enunciatario( en el caso del cine el espectador "modelo") se construyen en el filme.
Fuente: Wikipedia ( sería recomendable no consultar este sitio hasta no ver la película en tanto de descubrir o interpretar todos esos datos que aquí por el momento, elegimos borrar en pos de incentivar a la visualización de la película entera. Esta visualización es tan sólo una sugerencia que estimamos interesante. Esta sugerencia, además del placer de consumir este medio tan complejo y apasionantem, al mistmo tiempo se propone ver las primeras carácterísticas de como es el cine como dispositivo técnico y su lenguaje.
Los Crímenes de Oxford
Trailer de la película:
http://www.youtube.com/watch?v=oPLJQrm1Mqw
El director, Alex de la Iglesia, hablando sobre la película
http://www.youtube.com/watch?v=Rdg9oXBsxRE&feature=related
Argumento
El hallazgo en un solar del cadáver descuartizado y brutalmente mutilado de una mujer joven se convierte en un caso de interés mediático a causa de la gran repercusión que éste recibe por parte de la prensa de Los Ángeles. El médico forense determina que ha sido torturada durante días, mientras conservaba el conocimiento. Un periodista bautiza a la víctima como La Dalia Negra por la manera que solía vestir la víctima...." ¿El resto mejor no lo contamos no les parece? Recomendamos verla en clave de los conceptos que vamos viendo durante las clases
Comentarios
Inspirada en la novela homónima del escritor James Ellroy, autor de L.A. Confidential. Está ambientada en la ciudad de Los Ángeles de los años 40. Basada en hechos reales, la historia de la postulante a actriz Elizabeth Short y sobre todo, la de su espeluznante asesinato, es el centro de la trama de esta película..." . Se le llamaba la Dalia Negra porque.... " (Sería muy bueno que pudiesemos develar ese misterio). Un crimen aún hoy sin resolver y la fascinación de su director por el caso, lo han llevado a plasmar esta obra cinematográfica de excepción . La dalia negra es una extraña muerte, por eso la investigación se ha seguido a fondo para conocer su verdadero origen(¿¿¿¿¿???) de muerte.
Nota:
El resto lo completamos entre todos ¿Qué les parece?
Propuesta
Tal vez podrían alquilarla y analizar dicha película tratando de definir el tema, ver ciertos rasgos retóricos( aparición de figuras retóricas, temáticas) Tal vez podría ser interesante analizar cómo se narra la historia, esto es, como se estructura el tiempo en ese discurso( ej: en el caso del suspenso, si la historia se cuenta de manera lineal o si, por ejemplo, se cuenta la historia empezando por el final para luego volver al presente del relato etc, etc) Se podria indagar cómo son los personajes, las intrigas, los conflictos y, si es que se solucionan, cómo es dicha resolución. Estos y otros aspectos podrían ser interesantes para el análisis de esta u otras películas así como también de los propios textos literarios. En cuanto al estilo, que puede ser al mismo tiempo individual(Director) o de época( esto es, rasgos característicos de contar historias de suspenso en un momento histórico determinado) podrían intentar, tal como lo hace Oscar Steimberg, analizarlo, al igual que los géneros describiendo los rasgos retóricos(figuración, narración, argumentación), Temáticos(s/Richard Segre: Conceptos de tema y motivo) para luego ver que enunciador y enunciatario( en el caso del cine el espectador "modelo") se construyen en el filme.
Fuente: Wikipedia ( sería recomendable no consultar este sitio hasta no ver la película en tanto de descubrir o interpretar todos esos datos que aquí por el momento, elegimos borrar en pos de incentivar a la visualización de la película entera. Esta visualización es tan sólo una sugerencia que estimamos interesante. Esta sugerencia, además del placer de consumir este medio tan complejo y apasionantem, al mistmo tiempo se propone ver las primeras carácterísticas de como es el cine como dispositivo técnico y su lenguaje.
Los Crímenes de Oxford
Trailer de la película:
http://www.youtube.com/watch?v=oPLJQrm1Mqw
El director, Alex de la Iglesia, hablando sobre la película
http://www.youtube.com/watch?v=Rdg9oXBsxRE&feature=related
lunes, 19 de octubre de 2009
Diez proposiciones sobre el género(Oscar Steimberg)
Diez propociones sobre el género
(Oscar Steimberg)
Tema: definiciones de género y estilo
1) “Tanto el estílo como el género se definen por características retóricas temáticas y enunciativas”
2) “No hay rasgos enunciativos, retóricos o temáticos ni conjuntos de ellos que permitan diferenciar los fenómenos de género de los estilísticos”
3) “Es condición de la existencia del género su inclusión en un campo social de desempeño o juego del lenguaje, no ocurre lo mismo con el estilo.”
4) “La vida social del género supone la vigencia de fenómenos metadiscursivos permantentes y contemporaneos”
5) “Los fenómenos metadiscursivos del género se registran tanto en la instancia de la producción como en la del reconocimiento”
6) “Los géneros hacen sistema en sincronía, no así los estilos”
(Oscar Steimberg)
Tema: definiciones de género y estilo
1) “Tanto el estílo como el género se definen por características retóricas temáticas y enunciativas”
2) “No hay rasgos enunciativos, retóricos o temáticos ni conjuntos de ellos que permitan diferenciar los fenómenos de género de los estilísticos”
3) “Es condición de la existencia del género su inclusión en un campo social de desempeño o juego del lenguaje, no ocurre lo mismo con el estilo.”
4) “La vida social del género supone la vigencia de fenómenos metadiscursivos permantentes y contemporaneos”
5) “Los fenómenos metadiscursivos del género se registran tanto en la instancia de la producción como en la del reconocimiento”
6) “Los géneros hacen sistema en sincronía, no así los estilos”
7) “Entre los géneros se establecen relaciones sistemáticas de primaciía, secundaridad o figura-fondo, no así entre los estílos”
8) “Como efecto de sus relaciones de primacía, secundaridad y figura-fondo, un género puede convertirse en la dominante de un momento estilístico”
9)“Las obras “antigénero” quiebran los paradigmas genéricos en tres direcciones: la referencial, la enunciativa y la estilística”
10) “Las obras antigénero pueden definirse como género a partir de la estabilización de sus mecanismos metadiscursivos, cuando ingresan en una circulación establecida y socialmente previsible”
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